Cuando pensamos en Cary Grant, inmediatamente se nos vienen a la cabeza producciones como "Historias de Filadelfia" o "Con la Muerte en los Talones", pero es no es tan fácil recordar "La Pícara Puritana" aunque esta sea una de las películas que marcaría la futura carrera de Grant.
Era el año 1937 y un joven Cary Grant filmaba desesperadamente las escenas de "The Awful Truth" un largometraje dirigido por Leo McCarey que trataba sobre la separación y posterior rencuentro de una singular pareja. Una clásica relación de amor-odio de las comedias de Hollywood, pero que Cary Grant miraba con pesimismo. Grant creía que la película simplemente no iba a funcionar y reiterada veces rogó por retirarse de la filmación. Luego de un arduo esfuerzo y colaboración del equipo, al película fue estrenada convirtiendose en un rotundo éxito: McCarey gano un Oscar como mejor director y Cary Grant adoptó ese estilo de comedia liviana y física que Grant repetiría en muchas de sus actuaciones posteriores. Finalmente, fuera de ser un gran representante del género de comedia, el film resultó un aporte para todos y en especial para el joven Grant.
Toda película de Hollywood podría simplificarse en una ecuación matemática, ya que el resultado final no depende de un solo hombre, sino que es la combinación de los diferentes factores (Director, Productor, Guionista, Actores...etc.) la que hace el producto. Naturalmente, mientras más grandes sean los factores, mayor es el producto, y esto justamente lo que sucede en este film, en el que se combinan los talentos de dos maestros de Hollywood en un resultado excepcional.
En 1940 llegó a Hollywood un no tan consagrado director, que se proponía realizar su primera película en América, basandose en la novela psicológica de Daphne Du Maurier, Rebecca. En seguida el calvo director unió sus trabajos a los del productor David O. Selznick, que en ese tiempo estaba ensimismado en lo que sería su más grande proyecto, Lo que el Viento se Llevó. El esfuerzo de estos dos hombres, sumado a la colaboración de Laurence Olivier y Joan Fontaine, culminaron en la producción ganadora del Oscar a mejor película.
En este largometraje el maestro del suspenso, Alfred Hitchcock, nos muestra su lado más amable, con una historia cargada de romanticismo y esperanza, pero nunca carente de su misterio y suspenso característico. Como pueden imaginarse, la trama se desarrolla a través de un asesinato, el de Rebecca de Winter, que tras su misteriosa desaparición deja un espacio muy difícil de llenar en el corazón de su esposo Max y todo el resto de la sociedad que se dejo cautivar por sus inumerables encantos. Con esta película me viene a la memoria una frase que oí decir hace un laaaargoo tiempo: "El mayordomo siempre es el culpable", oración que ha ido tomando sentido con cada película de crímenes que veo.
Para celebrar el Día de los Enamorados, la revista on line Premiere elaboró una lista con los 25 actores y actrices que supieron entregar lo mejor de cupido al género, de los cuales la gran mayoría corresponden a grandes interpretes del Hollywood clásico, que tanto alabo en este blog. La lista publicada en Internet, arrojó los siguientes resultados:
1. Audrey Hepburn: Encabezando la lista llega la siempre joven y vivaz Hepbrun, que encantó al público con su inolvidable actuación en "Desayuno con Diamantes".
2. Cary Grant: El numero 2 se lo lleva el talentoso Cary Grant, que a pesar de sus múltiples talentos en los diversos géneros de cine, supo destacar como un noble galán en las cintas románticas.
3. Humphrey Bogart.
4. Ingrid Bergman: La inolvidable pareja de "Casablanca", merecía indudablemente un puesto en esta lista, que desde 1942 nos han hecho emocionarnos con su historia.
5. Grace Kelly: La espléndida princesa siempre resaltó con sus affaire románticos, y por su indiscutible belleza era inevitable que apareciera en este ranking.
6. Laurence Olivier: El actor de "Rebecca" y "Orgullo y Prejuicio" siempre mostró su lado amable ante las cámaras.
7. Deborah Kerr: Una de las grandes diosas del amor hollywoodense, impacto a todos con películas como "De aquí a la Eternidad".
8. Fred Astaire: Todo un caballero del cine que siempre sobresalió por su elegancia y pasos de baile.
9. Marcello Mastroianni.
10. Gregory Peck: De "Como matar a un Ruiseñor".
11. Joan Fontaine: El ícono romántico de Hitchcock.
12. Julie Christie.
13. Juliette Binoche.
14. Vivien Leigh: La osada Scarlett O'Hara demostró ser toda una heroína y una apasionada amante en "Lo que el Viento se Llevó".
15. Sidney Poitier.
16. Burt Lancaster: El gran actor de "De Aquí a la Eternidad".
17. Leonardo DiCaprio.
18. Judy Garland.
19. Montgomery Clift.
20. Olivia de Havilland: La compasiva actriz que se llevó las miradas en "Lo que el Viento se Llevó".
Pocos actores han tenido el éxito que alcanzo James Dean en tan poco tiempo. Nacido el 8 de Enero de 1931, Dean siempre se interesó en el mundo del deporte y del cine, pero no fue hasta 1954 que el director Elia Kazan le ofreció interpretar un papel en "Al Este del Edén" consagrando al melancólico y apasionado actor que hoy conocemos. Dean, luego tuvo notable participación en películas como "Rebelde sin Causa" o "Gigante" con Elizabeth Taylor. Pero el joven actor tuvo una corta vida. El 30 de Septiembre de 1955, su automóvil, un Porsche 550 Spyder, fue colisionado a gran velocidad, provocando la muerte inmediata del actor. A pesar de su corta filmografía, Dean fue muchas veces comparado con el mismísimo Marlon Brando por su excelente entrega a la actuación James Dean, IMDB
El 28 de Enero de 1963, falleció el Beverly Hill California, el director y guionista australiano John Farrow. El padre de la reconocida actriz Mia Farrow, tuvo un importante paso por el mundo de Hollywood, cuando le fue otorgado el premio Oscar por su adaptación de la novela de Julio Verne para la película "La Vuelta al Mundo en Ochenta Días" en 1956. Aunque el talento y trabajo de los guionistas de Hollywood (que mucho han dado que hablar por sus manifestaciones en este año) no siempre es recompensado, si merecen un reconocimiento especial por que son los que desarrollan el material donde los directores, actores y demás personal se basan para realizar la película, y es el guión finalmente, el que puede hacer brillar o no a una producción.
Viaje a la Luna de l director francés Georges Méliès, es considerada la primera película de ciencia-ficción de la historia. Estrenada en 1902 este "largometraje" de tan solo 14 minutos de duración, cuenta la historia de un grupo de astrónomos que deciden lanzarse al espacio en una especie de nave con forma de proyectil. Al llegar a la luna observan todo tipo de cuerpos celestiales, pero pronto son capturados por los selenitas, un grupo de habitantes de la luna. Finalmente logran escapar y emprenden el viaje de regreso a la tierra. Es impactante ver una película que fue realizada hace más de 100 años y ver como se imaginaban en esa época lo que sería uno de los mayores progresos de la humanidad. El video muestra la película completa (excepto por una escena final que se creía perdida hasta el 2002) que está disponible en YouTube.
De al mano del increíble George Cukor, nos llega esta apasionante historia de amor no correspondido. Basada en la novela del mismo nombre del escritor francés Alexandre Dumas, esta película se resume en un nombre que encierra toda la pasión y el talento de Hollywood: Garbo.
Así es, porque la magnífica Greta Garbo, llega en esta entrega con lo que consideró uno de sus roles favoritos. La trama nos cuenta la historia de Marguerite Gautier, una cortesana parisina que está dispuesta a dejar todo por el amor de su vida, pero muchos inconvenientes se interponen en sus planes. En este film, la ya madura Garbo, nos despliega todo su talento en una actuación de primera categoría, sólo basta ver sus expresiones o el tono de voz que logra en esta película para admirarla como una de las grandes divas del cine clásico. El guión se desarrolla a finales del siglo XIX, mostrando todos los placeres de la clase aristocrática. La película esta cargada de lujo, despilfarro y suntuosidad, características que alcanzan su grado máximo, en el personaje de Prudence Duvernoy, interpretada por Laura Hope Crews (la exagerada Tía Pity Pat en Lo que el viento se Levó). Este personaje, es un completa sorpresa dentro del film, ya que intenta gozar la vida al máximo, sin importar las consecuencias, sentido que tanto nos gusta ver en este tipo de películas. Con la magnífica actuación de Garbo, la historia de Dumas y la dirección de Cukor, esta es una película simplemente maravillosa.
Que otra película merecía llevarse el puesto Nº1, más que la magnífica, ingeniosa, respetable y cautivante Casablanca. Creo que nuca a existido una película tan conmovedora y excitante en blanco y negro. Reconocida mundialmente, la cinta encierra todos los temas fílmicos que siempre quisimos ver. Romance, Aventura, Drama, Política y Comedia se mezclan de forma fascinante creando una historia única y exitosa.
Para entender todo el fenómeno de Casablanca, hay que situarse en los orígenes de la producción. Durante la II Guerra Mundial, La Warner Brothers Pictures compro el derecho de una obra teatral nunca puesta en escena, Todos vienen al Café de Rick (Everybody Comes to Rick's), en lo que se basó el guión que luego fue rebautizado Casablanca. Bajo la tutela de los productores Hal B. Wallis y David O. Selznick, comenzó la filmación de la película, la cual fue realizada completamente dentro de un estudio, lo que explica la desilusión de mucho turistas que al visitar la ciudad de Casablanca en Marruecos, no encontraban el café de Rick por ningún lado. El encargado de dirigir la película fue el húngaro Michael Curtiz, quien se encargó de entregar un aporte romántico a la historia. Se dice que la película se filmó al mismo tiempo que se escribía el guión, por lo que el final de la historia, era desconocido para muchos actores, entre ellos Ingrid Bergman.
La historia se desarrolla principalmente en la ciudad de Casablanca, un lugar donde todos los que querían escapar a América, esperaban en busca de una oportunidad, y esperaban y esperaban... Rick, dueño de uno de los cafés más importantes de la ciudad, tiene bajo su poder dos salvoconductos para abandonar marruecos, que prometió guardarle a su difunto amigo Ugarte. pero la historia cambia radicalmente, cuando llega a Casablanca Victor Lazlo, un lider de la resistencia que es perseguido por la policía. Lazlo debe huir de Casablanca lo antes posible, pero Rick no acepta ayudarlo por su acompañante Ilsa, un antiguo amor de Rick que lo había abandonado en París hace muchos años. Así la trama se desarrolla en la desición de Rick, si debe decidir entre el amor o la virtud, concluyendo en el sorprendente final que todos conocemos.
Pero también hay otros detalles que hicieron a Casablanca una magnífica película y estos son la contribución de Arthur Edeson y Max Steiner. El primero, fue un veterano de Hollywood que había trabajado en películas como "El Halcón Maltés" y "Frankeinstein", quien se encargo particularmente de las tomas de Ingrid Bergman, que con un filtro óptico logró una imagen muy nostálgica y depresiva de la actriz. El otro contribuidor, Steiner, se encargó de lo que hace mejor: la música. Famoso por crear la banda sonora de "Lo que el viento se Llevó", Steiner realizo para esta película toda una banda sonora basada en "La Marseillaise", que se escucha en diferentes puntos del film. Aunque la legendaria canción "As times goes By" no fue obra suya, si merece un reconocimiento por su excepcional trabajo.
Casablanca se estrenó finalmente el 26 de Noviembre de 1942 en la ciudad de Nueva York. La película tuvo una recepción más bien fría por parte del público, fue reconocida como una gran película por los espectadores, pero no fue un rotundo éxito de taquilla. En este mismo año la película ganó tres premios de la academia por Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión, pero más bien la popularidad de Casablanca fue ascendiendo con el tiempo, ya que a través de las décadas comenzó a ser valorada como una de las mejores películas del cine. Aunque Ciudadano Kane es más grandiosa en el sentido de realización y complejidad, Casablanca siempre va a ser la más amada por su entrañable historia que cautivó al público.
Este gemelo sin color de Lo que el Viento se Llevó, siempre será uno de mis films favoritos, ya que fue la primera película que vi en blanco y negro y que definitivamente me cautivó con este arte para siempre. Los tonos grises de la película de le dan un sentimiento especial que la hace imperecedera. Cualquier persona que la haya visto, sabe de lo que hablo, ya que todos en algún momento, tuvimos la oportunidad de emocionarnos con la noble historia y disfrutar de sus ingeniosos diálogos y memorables escenas. Por siempre habrá generaciones que se dejaran cautivar por todas las historias que sucedieron alguna vez... en Casablanca.
Escena Inolvidable 1
"Tócala una vez, Sam, en recuerdo por los viejos tiempos."
La mítica frase de Bergman es la introducción a una canción que sonaría en nuestras mentes por muchos años. Aunque no fue compuesta especialmente para la película, la canción encaja perfectamente con la trama y le dan un sentido nostálgico espectacular.
Escena Inolvidable 2
El Gran final. Sin lugar a dudas la escena más impactante y más recordada de Casablanca, cuando Rick toma una sorpresiva desición y renuncia a su amor por Ilsa para salvarla. Finalmente Rick se marcha junto a Renault y dice:
"Louis, creo que este es el principio de una gran amistad"
Director: Orson Welles Actores: Orson Welles Joseph Cotten Agnes Moorehead y otros.
Es difícil hablar sobre una película que ha sido tan comentada y analizada, como Ciudadano Kane. La ópera prima de Orson Welles dejó un inmenso legado al séptimo arte. Luego de su estreno en 1941, el cine no volvería a ser lo mismo.
El principal reconocimiento que se la hace a esta película es su muy original producción, ya que aprovechó de manera nunca antes vista todos los recursos cinematográficos. Welles no inventó nada nuevo, solo supo aplicar las nuevas tecnologías de manera magistral. Esta película siempre ha sido alabada por sus muy bien logradas tomas de profundidad, en la que la cámara toma de forma nítida, distintos objetos en diferentes planos, logrando así, un total descripción de la escena a relatar.
Otra peculiaridad de la película es la manera en que el director nos cuenta la historia: Welles usando el recurso de flash-back, rompe con la cronología lineal que era muy utilizada en el cine de la época. Así la película comienza con la muerte de Kane en su mansión, para luego, a través de entrevistas a diferentes personajes, recrear la vida del magnate desde sus inicios y explicar lo que lo llevó al fatal desenlace.
Como toda película exitosa, Ciudadano Kane no quedó fuera de polémica durante su producción. La famosa historia del multimillonario se basa en el personaje real de William Randolph Hearst, un empresario que controlaba gran cantidad de los periódicos que circulaban en el país y gozaba de una opulenta vida en su mansión. Hearst, al no querer verse ridiculizado por la cinta de Welles, hizo todo lo posible para arruinarla. Hay registros de que Hearst intentó quemar la cinta original e intento perjudicar la imagen de Welles lo mas posible, esto finalmente incidió en que la película no fuera un éxito de su taquilla en su estreno, pero no evitó que fuera reconocida por la crítica.
Escena Imperdible
En el principio del film, vemos el momento de la muerte de Kane y como sus labios pronuncian una palabra que va mantener el misterio hasta el último segundo: Rosebud. El simple trineo que Kane tuvo durante su infancia, fue el único objeto que logró darle felicidad, la cual nunca volvió a conseguir a pesar de todo su poder. Un claro ejemplo de que el dinero y los bienes materiales no lo son todo en esta vida.
Solo las luces de los altos rascacielos iluminaban el sombrío puerto de Nueva York esa noche. En el único barco que flotaba silencioso, un grupo de marineros esperaba ansiosamente a la figura que los había reunido en el lugar con total misterio. No tenían un ruta establecida ni un destino, lo único que flotaba en sus cabezas eran las promesas y sueños de un hombre, quien justamente se aproximaba caminando desde el otro lado del muelle. Carl Denham, el derrochador de Hollywood, se acercaba a toda prisa con su conocida expresión de júbilo en su rostro. Sus manos sudorosas sujetaban a una joven mujer de cabellos claros, que pese a su evidente hermosura, vestía toda de harapos. Ann Darrow se dejaba arrastrar sin problemas por el ansioso director, el cual apenas puso un pie en el barco, dio las ordenes de marcharse a lo que sería su más grande aventura.
Entre las grandes masas azules, se desplazaba la frágil embarcación de Denham. Su destino: La isla Calavera, un lugar remoto perdido en el océano, alejada de toda civilización pero que había existido por siglos en la mente de los marineros, que no se cansaban de repetir la misma historia que Denham tan bien conocía. Una Bestia tan grande y tan poderosa como ningún hombre blanco halla visto, se refugiaba en la caótica isla donde reinaba como amo y señor. Era más grande que cualquier criatura existente y sus terribles garras eran más peligrosas que cualquier arma que el hombre haya soñado. Esta bestia tan temible, vivía tras un inmenso muro, que fue construido hace siglos atrás por los únicos aldeanos de la isla, quienes le rendían culto a la monstruosa criatura, que por su temible apariencia y desmesura, era considerada un Dios.
Desde los inicios del cine moderno, nunca a existido una criatura tan respetable como King Kong. Ningún otro personaje de la fantasía, ha causado un impacto tan grande y pronunciado como Kong. Esta especie de anti-héroe puede lograr una perfecta comunicación con el espectador, haciéndose ganar el cariño y consentimiento del público, el cual increíblemente llega a sentir tal compasión por el personaje, que comprende y consciente todas las atrocidades que en realidad comete. Porque aunque lo queramos o no, Kong es un monstruo, y nada podrá cambiarlo. Su instinto asesino y despiadado puede atemorizar a cualquiera, pero es su comportamiento casi humano, lo que nos hace seguir queriéndolo por tantos años. Kong es esa mezcla de amor/odio que todos los seres humanos llevamos dentro y su actuar no refleja más que nuestra propia alma.
King Kong, estrenada en 1933, fue un éxito de taquilla absoluto y la cifra de recaudación en el día de su estreno, era simplemente inimaginable en esa época y no es muy difícil entender porque. Primero que nada, los efectos especiales utilizados en King Kong, eran algo nunca antes visto. hasta el día de hoy, encuentro fascinantes la animación cuadro a cuadro que se utilizó en la película, la cual logra un efecto de realismo sorprendente. No se ven las secuencias para nada "cortadas" y conservan un impetuoso movimiento hasta el final. Espectacular ejemplo de este tipo de animación en la escena en la que Kong combate a muerte contra un Tiranosaurio.
Otro punto clave es la notable participación de Max Steiner, como compositor de la banda sonora. La música creada por Steiner, le da al film un sentido de magnificencia y grandiosidad a la altura del mismo Kong. El uso de platillos y tambores muy fuertes, dan simpre la sensación de que algo grande se aproxima y un sentimiento característico a la película.
Pero todas estas maravillas no serían posible sin el trabajo de una gran persona, un papel cinematográfico que se ha perdido con el tiempo. Me refiero claramente al Productor de la película, que en este caso es el espectacular David O. Selznick. Gracias a el King Kong es la película tan grandiosa que hoy conocemos. Selznick es el verdadero soñador y derrochador de Hollywood y por su tremendo labor en el séptimo arte podemos disfrutar de peliculas como "Lo que el viento se Llevó", "Rebeca" y muchos otros títulos de fama mundial.
King Kong es y será por siempre una de las más grandes producciones de Hollywood, aunque muchas veces ha sido subestimada por distintas razones (sus muy inferiores secuelas y re-makes... etc), este largometraje debería ser apreciado por todos los ojos del mundo, esta es una de esas películas que los padres deberían obligar a ver sus hijos y una vez que lo hayan hecho quedaran encantados con la inmortal criatura de King Kong.
Escena Inolvidable
King Kong escala el infinito Empire State (máximo signo del progreso humano en su época) con la hermosa Ann Darrow en su mano, solo para ser asesinado y desplomarse ante la muchedumbre que observa expectante. Es ahí cuando de Denham comprende lo que ha hecho y pronuncia la inmortal frase:
"No, no fueron los aviones, sino la bella lo que mató a la bestia."
Director: Charles Chaplin Actores: Charles Chaplin Paulette Goddard... y otros.
Indudablemente Chaplin no podía quedar fuera de esta lista. Cualquiera de sus películas hubiera merecido un lugar en el ranking, pero Tiempos Modernos alcanzó un nivel de individualizaren, convirtiéndose en uno de los mayores reconocimientos del cine mudo. Este largometraje deja al descubierto el talento y todo el genio creativo de Sir Charles Chaplin, en la que además de ser protagonista, es director, escritor y compositor.
La historia se sitúa en el mundo empresarial americano, durante la gran depresión y es en una mecanizada industria, donde nuestro personaje plantea situaciones que increíblemente siguen vigentes hoy en día. Temas tales como el stress laboral y la sobre explotación de los obreros son cuestionados duramente con el humor absurdo característico de Chaplin. Pero no es hasta que el personaje principal es llevado a la cárcel injustamente, cuando la trama se desarrolla en una sorprendente paradoja, en la que Chaplin hace lo imposible para permanecer en la cárcel, el refugio perfecto de la catastrófica sociedad en la que vive, donde reina el hambre y la cesantía. Pero su triste visión del mundo, cambia completamente cuando conoce a una pobre mujer huérfana (Paulette Goddard) con la que decide cumplir sus sueños de tener una vida digna entre la competitiva sociedad.
Una película llena de situaciones humorísticas en la que vemos a Chaplin en sus múltiples facetas, que lleva a cabo magistralmente.
Escena Imperdible
La famosa escena de Chaplin "nadando" en el mar de engranajes se ha convertido en una de las más reconocibles del cine clásico. La interminable lucha entre el hombre y la máquina, llevada a un nivel de sátira nunca antes visto. Además cuando Chaplin enloquece es simplemente delirante.
Director: Alfred Hitchcock Actores: Anthony Perkins Janet Leigh Vera Miles John Gavin... y otros.
La obra maestra del director Alfred Hitchcock llegó para revolucionar el género de suspenso para siempre. El mundo de los thrillers de Hollywood, siempre se vio plagado de zombies, seres extraterrestres y todo tipo de monstruos terroríficos, pero no fue hasta Psicosis, que el espectador tuvo que enfrentarse con un ser tan malvado, tan perverso y tan impredecible, como el mismo ser humano.
La historia comienza con una joven empleada, Marion Crane, quien no resiste la tentación ante escapar con una sustentosa suma de dinero robada de su trabajo. Es ahí cuando la película se torna sorprendente, porque no es sino el reflejo de nuestra misma conciencia lo que vemos en pantalla. Esa paranoia y remordimiento de haber algo hecho malo, es lo que la protagonista transmite de una manera tan real y convincente como sólo Hitchcock la podría retratar. Inesperadamente, Marion llega a pasar la noche en un motel muy alejado de la carretera, el cual es dirigido por el maniático Norman Bates y su Madre. Es este momento cuando la trama toma un giro inesperado, con la muerte de la protagonista en menos de la mitad de la película y la historia se convierte en un dramático caso psicológico-policial, que hasta el día de hoy tantos nos deslumbra e impresiona a la vez. Una película que mantiene el suspenso, la intriga y la emoción hasta el último segundo. Este es uno de esos filmes que cuando se acaban, uno con el corazón palpitante, queda con ganas de más y desearía que la historia nunca acabase (Lamentablemente las posteriores secuelas no son de la misma calidad que la original).
Además de los muy bien logrados personajes y las tomas de escena que son realmente impresionantes, existe otro factor en Psicosis que la eleva a un nivel de superioridad por sobre los otros films: La Música. La Banda Sonora de Psicosis es sin lugar a duda una de las mejor lograda y más conocidas en la historia del cine. La melodía compuesta por Bernard Herrmann utilizando solamente instrumentos de cuerda es simplemente fascinante. Es casi inexplicable como todavía las notas chirriantes de la canción hacen que se me pongan los pelos de puntas.
A pesar de todas sus características alucinantes, esta cinta no logró llevarse ningún premio de la Academia (aunque si obtuvo cuatro nominaciones), pero fue nombrada por el American Film Institute (AFI), como la mejor película de suspenso de todos los tiempos, junto con el puesto Nº 14 de las 100 mejores películas de todos los tiempos, lista elaborada por la misma AFI.
Escena Inolvidable
La Joven Marion Crane se prepara para meterse en la ducha. Vemos su cara sonriente y reconfortada mientras se jabona, pero a penas escuchamos la primera nota de esa inconfundible melodia, sabemos que algo va a suceder... la silueta del cuchillo que se asoma tras la cortina junto al grito desesperado de la protagonista... y en un abrir y cerrar de ojos, vemos como la sangre fluye lentamente por el desagüe... la cortina que se desploma... el ojo mirando hacia el infinito. Este video muestra justamente la escena inmortalizada como uno de los grandes hitos del séptimo arte. Todos conocemos la secuencia y el resultado final, pero nunca nos cansamos de las imágenes y ese ya tan parodiado grito que podríamos escuchar una y otra... y otra... y otra vez.
Siguiendo la moda de crear "listas" o rankings en los blog, he decidido crear una lista de 5 películas claves del cine antiguo. Las películas fueron seleccionadas por diferentes cualidades en la que cada una destacó. Muchos grandes largometrajes podrán haber quedado fuera de este minúsculo ranking de sólo 5 elementos, pero intenté colocar películas de las que todo el mundo habla y ya forman parte de la cultura general. A partir de mañana empezaré con el numero 5, 4... así hasta llegar al Nº1. Asi que visita el blog frecuentemente para nuevas actualizaciones. Pueden ya empezar a imaginarse que película merece el puesto Nº1, o cuales deberían estar en la lista. Pronto conocerán mi ranking de cinco películas imprescindibles, y como siempre... en blanco y negro.
Esta película fuera de ser una excelente comedia de los años 50', es también una despedida al "rey de Hollywood", ya que es una de las últimas (la 4ª última, exactamente) películas de Clark Gable, que a mi sano juicio, es el actor más grande de la época dorada de Hollywood, y por que no, de la historia del cine. En esta ocasión, Gable comparte la pantalla con la carismática Doris Day y juntos crean una pareja chispeante perfecta para este tipo de humor dinámico y sorpresivo. La historia nos sorprende con un terco periodista llamado Jim Ganon(Gable), quien cree que el periodismo es un oficio y se aprende haciéndolo y no en la escuela, pero justamente por el contrario, la maestra de la escuela de periodismo (Day) intenta hacer cambiar de pensamiento a Ganon. Llena de sarcasmos y humor delirante, esta comedia está definitivamente a la altura que estas dos grandes estrellas del cine nos podrían entregar. Una película especialmente dedicada a la gente relacionada con la prensa o el periodismo, ya que representa muy bien la intensa y a veces dura vida que se lleva dentro de la agencia de periódicos, donde todo es una carrera contra el tiempo.
El 24 de Enero de 1983, Hollywood perdió a uno de sus grandes: El director estadounidense George Cukor fue el responsable de algunas de las mayores producciones de todos los tiempos. Este "director de actrices", como solían llamarle por la gran influencia que el sexo femenino obtenía en sus películas, estuvo detras de reconocidos filmes tales como:
Lo que el Viento se Llevó (En un parte porque luego fue reemplazado por Victor Fleming).
Historias de Filadelfia.
Mi Bella Dama (Que le hizo merecer el tan ansiado premio de la academia)
Así este hombre, que fue calificado como un director menor en un principio, logró consagrase en el difícil mundo del espectáculo, otorgándonos algunas de las mejores historias del séptimo arte. Es por esto que me despido con una de sus famosas frases:
"No puedes tener éxito, a menos que aceptes el fracaso"
Advertencia: Película no apta para claustrofóbicos. La dos veces ganadora del Oscar, Olivia de Havilland encarna en esta historia a una poco afortunada anciana, que queda atrapada dentro del ascensor de la mansión en donde vive (ver la imagen). Pero eso no es todo, mientras sufre su encierro aparentemente infinito, una banda de delincuentes entra en la casa para hacer todo tipo de barbaridades.
La protagonista pronto entra en un estado de delirio que transmite al espectador una sensación de encierro y frustración sorprendentes. Esta es una película que sin tener monstruos, brujas o seres espaciales, puede llegar a ser realmente escalofriante con un objeto tan cotidiano como un ascensor. Con un increíble interés en el detalle y su excelente actuación esta es una película difícil de olvidar.
La odisea futurista del director alemán Fritz Lang nos llega con suntuosos decorados, una impresionante arquitectura, y un estilo futurista-gótico-alemán, que encierran una simple historia con una clara moraleja. Es el Año 2026 y Metrópolis es una ciudad divida en dos clases totalmente radicales: Los ricos y pensantes que sólo se encargan de dirigir a la sociedad, y por otra parte, el pueblo trabajador que vive encerrado entre máquinas y largas jornadas de trabajo. "Metrópolis" es la lucha constante entre el hombre y la máquina, cargada de los clásicos arquetipos de la ciencia-ficción: el científico loco, el excéntrico millonario, el robot conspirador y todo ese mundo de personajes que tantos nos impresiona y cautiva a la vez. Las casi dos horas de duración de esta película, pueden hacerse algo extensas para quienes no están acostumbrados a este tipo de films; sin color; sin sonido (música de fondo solamente) y además la película está incompleta, ya que nunca se conservo en su versión original y falta aprox. un cuarto del largometraje, pero fuera de eso no deja de ser una película sorprendente y emotiva aun en estos días. Recomiendo altamente ver "Metrópolis", ya que el film fue restaurado en el 2001, intentando rescatar la versión original lo más posible. El Video muestra un trailer de la película, para que se hagan una idea de esta utópica ciudad futurista. Como dato curioso para terminar, se ha reportado que ésta era una de las películas favoritas de Hitler.
Simplemente una de las mejores películas de ciencia-ficción de todos los tiempos. De manos de Kurt Neumann nos llega esta escalofriante historia ultra reconocida: Un científico inventa una maquina para teletransportar la materia, pero todo marcha bien hasta que al intentar teletransportarse a él mismo, su ADN se mezcla con el de una mosca, dando origen a una criatura que se ha albergado en el inconsciente colectivo durante décadas. La Mosca fuera de su drama terrorífico, esconde una delicada historia de amor, al más puro estilo de La bella y la Bestia o King Kong, que entrelaza a los protagonistas, demostrando que el amor va mas allá de las apariencias o formas.
Con las notables actuaciones de Vincent Price, Al Hedison y Patricia Owens, es una cinta altamente recomendable para aquellos que recién se inician en el cine antiguo y buscan una historia conocida, fácil de seguir y para nada aburrida y siempre excitante de principio a fin.
P.D: Por lo general en las tiendas de alquiler de video ofrecen la versión que fue "colorizada" años después, pero si encuentran la versión original en blanco y negro... ufff! una verdadera joya.
¡Bienvenido al lugar donde la época dorada de Hollywood brilla de nuevo!
He creado este blog con el fin de hacer revivir y dar justicia a las películas clásicas de todos los tiempos. Todo ese noble grupo de films que a veces sin efectos especiales, sin color, o hasta sin sonido, te hicieron emocionarte y quedaron en tu memoria para siempre. Aquí encontraras información, reseñas y comentarios sobre tus largometrajes favoritos. Si Clark Gable, Humphrey Bogart o Sophia Loren son nombres de tu diario vivir o simplemente estás buscando que película ver este fin de semana disfrutaras de este blog y todo su contenido.
Era el año 1937 y un joven Cary Grant filmaba desesperadamente las escenas de "The Awful Truth" un largometraje dirigido por Leo McCarey que trataba sobre la separación y posterior rencuentro de una singular pareja. Una clásica relación de amor-odio de las comedias de Hollywood, pero que Cary Grant miraba con pesimismo. Grant creía que la película simplemente no iba a funcionar y reiterada veces rogó por retirarse de la filmación. Luego de un arduo esfuerzo y colaboración del equipo, al película fue estrenada convirtiendose en un rotundo éxito: McCarey gano un Oscar como mejor director y Cary Grant adoptó ese estilo de comedia liviana y física que Grant repetiría en muchas de sus actuaciones posteriores. Finalmente, fuera de ser un gran representante del género de comedia, el film resultó un aporte para todos y en especial para el joven Grant.
Era el año 1937 y un joven Cary Grant filmaba desesperadamente las escenas de "The Awful Truth" un largometraje dirigido por Leo McCarey que trataba sobre la separación y posterior rencuentro de una singular pareja. Una clásica relación de amor-odio de las comedias de Hollywood, pero que Cary Grant miraba con pesimismo. Grant creía que la película simplemente no iba a funcionar y reiterada veces rogó por retirarse de la filmación. Luego de un arduo esfuerzo y colaboración del equipo, al película fue estrenada convirtiendose en un rotundo éxito: McCarey gano un Oscar como mejor director y Cary Grant adoptó ese estilo de comedia liviana y física que Grant repetiría en muchas de sus actuaciones posteriores. Finalmente, fuera de ser un gran representante del género de comedia, el film resultó un aporte para todos y en especial para el joven Grant.
